Das kreative Potenzial junger Zirkustalente freisetzen

Daniela Levina auf der rotierenden Scheibe (c) Werner Hassepass

Ein zentrales Ziel der Scenic-Circus-Produktionen ist es, das kreative Potenzial junger Zirkustalente zu entfalten. In unserer neuesten Produktion „Diaries in Motion“ haben wir ein Experiment gewagt: Wir haben die Entstehungsphase als einen stark kollaborativen Prozess ohne eine starke externe Regie gestaltet. Stattdessen sollten die Künstlerinnen, ganz im Sinne des sehr persönlichen Themas der „Tagebücher“, größtmögliche Freiheit erhalten, ihre Ideen einzubringen. Dies sollte der Schlüssel zu einem so intimen und berührenden Erlebnis sein.

Gleichzeitig war es jedoch ein großes Risiko. Was selbst bei Zirkusensembles, die über längere Zeit eng zusammenarbeiten, eher selten ist, haben wir mit einer Gruppe junger Artistinnen versucht, von denen die meisten sich noch nie zuvor begegnet waren. Die Unterstützung einer erfahrenen Expertin wie Stacy Clark als Outside Eye war ein entscheidender Erfolgsfaktor. Ein weiterer war die Kombination verschiedener Persönlichkeiten und Talente innerhalb des hochmotivierten Ensembles.

Eine der vier Darstellerinnen ist die 16-jährige Daniela Levina, Schülerin der Kyiwer Akademie für Zirkus und Darstellende Künste. Wir wurden gemeinsam von der Akademie eingeladen, auf einer Konferenz über den kreativen Prozess der Serie zu sprechen:

Emotionen durch Bewegung ausdrücken (c) Werner Hassepass

Wie kam die Idee zu „Diaries in Motion“ für dich persönlich ins Gespräch, und was hat dich dazu bewogen, an diesem Gemeinschaftsprojekt mitzuwirken?

Daniela: Ich war total begeistert, weil ich keinerlei Erfahrung mit dem hatte, was man gemeinhin zeitgenössischen Zirkus nennt. Ich hatte noch nie an so einer Produktion teilgenommen. Ich wollte es einfach mal ausprobieren und erforschen, wie man durch Körper, Choreografie und Spiel Bedeutung ausdrücken kann. Das klang alles sehr interessant und herausfordernd.

Jeder Künstler im Ensemble entwickelte oder adaptierte seine Darbietung um ein bestimmtes Thema herum. In deinem Fall – der Handstand auf der rotierenden Scheibe und das Cyr-Rad – wie haben sich diese Themen entwickelt? Hast du sie anhand der körperlichen Ausdrucksweise der Darbietungen ausgewählt, oder sind die Darbietungen aus den Themen entstanden?

Daniela: Ich habe zunächst über unser übergeordnetes Thema nachgedacht – Freiheit und wie wir davon eingeschränkt werden können. Ich habe diese Idee aufgegriffen und überlegt, welche Teile meiner Darbietung sie am besten zum Ausdruck bringen könnten. Ich habe mich gefragt: Welche Situation innerhalb dieses Themas kann ich in die Darbietung übersetzen?

Dann wählte ich die Requisiten – den Tisch und das Cyr-Wheel – passend zum Thema aus. Ich überlegte, wie ich es mit jedem einzelnen Requisit interpretieren könnte. Würde es sich deutlich in der Qualität der Bewegung auf dem Cyr-Wheel zeigen? Oder könnte ich es besser durch meine Darbietung auf der rotierenden Scheibe vermitteln? Diesen Fragen ging ich nach.

Wie unterschied sich die Entwicklung der Darbietung von deiner üblichen Vorgehensweise?

Daniela: Normalerweise entwickle ich eine Darbietung entweder für eine Show oder basierend auf einem vorgegebenen Thema. Vor drei Jahren hatte ich noch einen Coach und einen Choreografen, die die Darbietungen für mich entwickelten. Ich hatte die Tricks, die Musik, das Thema und die allgemeine Bedeutung der Darbietung, und dann setzten wir das Ganze mit der Hilfe des Choreografen und des Coaches in eine Performance um.

Wenn ich jetzt selbst Darbietungen entwickle – sei es für eine Show mit einem bestimmten Thema, Musik oder Stil –, versuche ich, mich an diesem Stil zu orientieren und überlege mir, welche Tricks und welche Art von Bewegung ich verwenden kann, um das Thema und die Figur besser zu interpretieren.

Dieses Projekt hat meine Sicht auf Darbietungen grundlegend verändert – vor allem im Hinblick auf die Emotionen und darauf, wie ich das Publikum emotional berühren kann. Ich möchte mich jetzt stärker auf die schauspielerische und emotionale Seite konzentrieren, ohne dabei die Tricks zu vernachlässigen. Momentan fühle ich mich in der Mitte – zwischen der Betonung der Technik und der der Emotionen. Früher, wie im Zirkus üblich, habe ich der Technik viel mehr Aufmerksamkeit geschenkt als den Emotionen.

Daniela Levina auf dem Cyr Wheel (c) Werner Hassepass

Es war das erste Mal, dass du in einem so kollaborativen Prozess an der Entwicklung einer Show mitgewirkt hast. Wie hat sich die Dynamik zwischen den vier Artistinnen im Laufe der Zeit entwickelt? Wie würdest du die Rolle von Stacy Clark als Außenstehende beschreiben?

Daniela: Wir hatten nur vier Wochen Probenzeit, und von Anfang an waren wir ziemlich angespannt und etwas schüchtern. Aber Stacy hat uns von Beginn bis zum Ende der Entwicklungsphase wirklich sehr geholfen. Sie war unser Licht im Dunkeln, half uns, die vielen verschiedenen Gedanken zu ordnen und daraus etwas Zusammenhängendes zu schaffen. Ich denke, Stacy hat maßgeblich dazu beigetragen, dass wir so eine tolle Show entwickeln konnten, und dafür sind wir ihr sehr dankbar.

Nach ein paar Tagen lockerte sich die Gruppendynamik, und ich spürte die Verbindung zu allen Künstlern. Wir haben auch eine gemeinsame Luftakrobatik-Nummer entwickelt – was für uns alle ganz neu war. Vor der Premiere blieb uns nur wenig Zeit zum Proben. Wir alle haben also an der Entwicklung eines großen Aktes mitgewirkt und auch gemeinsam die Übergänge, das Ende und den Anfang der Show gestaltet. Mir hat die Arbeit in so einer Gruppe sehr gefallen, wo jeder gleichberechtigt an der Gestaltung der Show und der Gruppenparts beteiligt war. Es war sehr ungewöhnlich; es gab zwar auch ein paar Schwierigkeiten, aber ich denke, das ist normal bei so einem Projekt.

Was hast du durch die Zusammenarbeit in diesem Format über dich als Künstlerin gelernt? Und wie hat dich das Projekt herausgefordert oder dir ermöglicht, Talente in anderen Bereichen als deinen Zirkusdisziplinen einzusetzen?

Daniela: Was meine künstlerische Entwicklung angeht, habe ich gelernt, dass ich mich stärker auf das Storytelling konzentrieren und das Publikum aktiv einbeziehen möchte, sodass es die Geschichte mit mir erlebt.

Was meine anderen Talente betrifft, habe ich gelernt, dass ich mit Musik arbeiten kann – wie man sie bearbeitet, schneidet und anpasst. Außerdem habe ich festgestellt, dass ich gar nicht so schlecht im Requisitenbau bin. Wir haben an einem zentralen Element der Show gearbeitet, der Tür, und ich habe festgestellt, dass ich auch im Handwerk gar nicht so schlecht bin.