Shana Carroll ist Ko-Gründerin und künstlerische Leiterin der kanadischen Company "7 Fingers". Das Motto der Company, "menschliche Geschichten mit übermenschlichen Fähigkeiten erzählen", beschreibt treffend ihren Ansatz, Zirkusshows zu kreieren. Anlässlich des Deutschland-Gastspiels ihrer Show "Duel Reality" führte ich ein Gespräch mit ihr.
Daniel Burow: Die 7-Fingers-Show „Duel Reality“ wird dieses Jahr beim Tollwood-Festival in München aufgeführt. Es ist eine Interpretation von „Romeo und Julia“. Warum war es an der Zeit, diese berühmte Geschichte mit den Mitteln des Zirkus zu erzählen?
Shana Carroll: Die erste Version von „Duel Reality“ entstand 2018 unter dem Eindruck der Polarisierung, die ich in der Welt erlebe. Die Leute denken oft, es sei die klassischste Liebesgeschichte, aber in vielerlei Hinsicht ist es die klassischste Kriegsgeschichte, denn es geht um die Rivalität zwischen zwei Familien und darum, wie die Liebe zwischen zwei Kindern ausreicht, um alles zu zerstören.
Es geht also um Polarisierung und mir gefiel die Idee, es wie ein Sportereignis zu inszenieren, als Fußballspiel mit konkurrierenden Mannschaften. Auf diese Weise wird der Zuschauer auf eine Weise involviert, die ihn die Freude spüren lässt, einen Stamm, eine Mannschaft zu haben und eine andere so zu hassen, wie es Sportfans manchmal empfinden. Es gibt eine Wendung, wenn wir erkennen, dass es ein tragisches Potenzial gibt und was Polarisierung bewirken kann. Mir gefällt, dass das Publikum durch die Behandlung als Sportereignis stärker mitschuldig wird.
Außerdem ist Zirkus unsere Sprache und ich suche oft nach Themen, die am besten zur Zirkussprache passen. Wir haben die sportliche Seite, wir können die Geschichte eines Sportereignisses auf sehr körperliche Weise erzählen. Außerdem steht bei Romeo und Julia viel auf dem Spiel, wie es oft bei Shakespeare der Fall ist – Leben oder Tod, Liebe und Leidenschaft. Und Zirkus ist eine großartige Sprache, um so etwas zu zeigen, weil buchstäblich viel auf dem Spiel steht. Es besteht ein Risiko, die Leute hängen kopfüber durch die Luft. Ich denke, wir leben in einer Zeit, in der in vielerlei Hinsicht viel auf dem Spiel steht. Deshalb fühlte es sich relevant an.
Daniel Burow: Du hast bereits Zirkusshows zu ungewöhnlichen Themen wie "Züge" oder "Kochen" gemacht. Was macht eine Geschichte geeignet, um sie durch das Medium Zirkus zu erzählen?
Shana Carroll: Zunächst einmal muss ich immer etwas finden, das mich begeistert. Wenn man eine Show macht, sollte man das Gefühl haben, dass man diese Geschichte erzählen muss. Die Show über das Kochen habe ich gemeinsam mit meinem Mann inszeniert und er hat einfach eine große Leidenschaft für Essen und Kochen. Als wir versuchten, eine Idee für die Show zu entwickeln, waren wir in der Küche und ich sagte: „Schau, das ist die Sache, mit der du deine ganze Zeit verbringst. Lass uns einen Weg finden.“ Es ging nicht nur ums Kochen, es ging darum, wie Essen die Geschichte unseres Lebens erzählt, wie sich unser Leben in der Küche entfaltet, durch Essen und Erinnerungen daran.
Mit Zügen war es genauso. Ich hatte einen Moment, in dem mir klar wurde, dass viele wichtige Momente meines Lebens in Zügen passierten. Ich sah die Symbolik des Aufbruchs und Weiterziehens. Es war ein Mittel, um größere Geschichten zu erzählen. „Romeo und Julia“ scheint sich sehr von Zügen oder Kochen zu unterscheiden, aber es war der gleiche Prozess. Und mit jeder unserer Shows gibt es eine Verbindung, die mich glauben lässt, dass Zirkus die beste Sprache ist, um die Geschichte zu erzählen. Ob es die Gemeinschaft ist oder wie wir miteinander verbunden sind, wenn wir akrobatisch in einem Ensemble agieren, wenn wir uns alle gegenseitig fangen und werfen. Die Show „Cuisine & Confessions“ hatte viel mit Familie und Gemeinschaft zu tun und die Sprache des Zirkus war der Schlüssel zum Erzählen dieser Geschichte.
Daniel Burow: Duel Reality wurde ursprünglich für Aufführungen auf Kreuzfahrtschiffen produziert. Wie hat das die Entstehung beeinflusst?
Shana Carroll: Wir hatten vorher nie daran gedacht, eine Kreuzfahrtschiff- Show zu machen. Aber diese spezielle Kreuzfahrtlinie, Virgin, war brandneu und sie wollten wirklich etwas anderes machen, etwas Avantgardistisches mit künstlerischer Integrität. Das hat uns angezogen. Wir hatten das Gefühl, dass wir uns mit unserer Seele hineinversetzen konnten.
Was war anders? Zunächst einmal haben sie als Produzenten unseren Zeitplan strukturiert. Die Show wurde daher in vielen kleinen Workshops kreiert – zwei Wochen hier, zwei Wochen dort – während unsere Shows normalerweise in vier Monate kontinuierlicher Kreation entstehen. Ich hatte eine Skizze, zu der ich immer wieder zurückkam und die ich mit immer mehr Farbe ausfüllte. Es war ein ganz anderer Prozess. Manchmal war das gut; wenn man lange Kreationen hat, denkt man manchmal zu viel nach, ändert seine Meinung, verliert sich. Andererseits war es nicht so gründliche Recherchearbeit wie bei unserer eigenen Show.
In Bezug auf das Publikum: Einerseits gefiel mir die Möglichkeit, das Publikum zu überraschen, es auf eine Weise zu berühren, die es auf einem Kreuzfahrtschiff nicht erwartet, und mich gewissermaßen dem zu widersetzen, was eine gewöhnliche Kreuzfahrtshow wäre. Aber gleichzeitig war mir bewusst, dass es ein gewisses Tempo, einen gewissen Rhythmus haben musste. Die Leute würden Alkohol trinken, sie sind im Urlaub und haben nicht für die Show bezahlt. In gewisser Weise bewegt sich die Show viel mehr. In unseren anderen Shows gibt es mehr Momente der Kontemplation und Choreographie und Dialoge. Aber ich habe gelernt, dass dies konzeptionell mit der Show funktioniert, auf Grund dessen, was ich über die Einsätze, die Energie gesagt habe. Wir wollen, dass es sich anfühlt, als würde man ständig wie mit dieser Schleuder von einer Emotion zur nächsten katapultiert, sodass die Spannung nie nachlässt.
Es hat also meinen Rhythmus beim Kreieren einer Show auf jeden Fall verändert, da ich wusste, dass sie ursprünglich für dieses Publikum bestimmt sein würde. Allerdings haben wir, als wir die Show an Land brachten, bestimmte Acts erweitert und mehr Shakespeare-Texte eingebaut. Wir haben versucht, sie etwas zu strecken und nicht dieses schnelle Tempo beizubehalten.
Daniel Burow: Hast du unterschiedliche Reaktionen des Publikums in den verschiedenen Umgebungen feststellen können?
Shana Carroll: Ja, definitiv. An Land hat es einen höheren Produktionswert. Wir haben eine Videoprojektion, bessere Beleuchtung und besseren Ton. Auf diese Weise ist es ein reichhaltigeres Erlebnis. Aber mit dem Publikum auf dem Schiff macht es manchmal mehr Spaß. Sie sind im Urlaub, feiern und sind laut. Die Show handelt von einem Wettbewerb und wir bringen das Publikum dazu, mitzujubeln. Als wir zum ersten Mal in ein traditionelles Theater gingen, war es hart. Aber in den zarteren Momenten haben wir das Gefühl, dass die Leute im Theater empfänglicher für etwas Bewegendes sind.
Daniel Burow: Du warst auch im Kreativteam des Musicals „Water for Elephants“ und hast so die traditionelle Zirkuswelt auf die Broadway-Bühne gebracht. Was sind deine Erfahrungen?
Shana Carroll: In einer Broadway-Show ist der Zirkus nur ein Mittel unter vielen, um die Geschichte zu erzählen. Es wird gesungen und getanzt, es gibt Dialoge. Man muss sich also überlegen, wann es wirklich einen Zirkusmoment braucht. Anstatt einer sechsminütigen Handstanddarbietung würden wir etwa einen Trick in einer Choreographie integrieren, nur um diesen Moment zu verstärken. Am Broadway sagt man oft: "Man spricht, bis man singen muss, und man singt, bis man tanzen muss". Und ich glaube, in unserem Fall tanzen wir, bis wir fliegen müssen. Man muss es sich verdienen; man braucht einen emotionalen Moment, der so hoch ist, dass man ihn nur durch Zirkus erzählen kann.
In unserem normalen Kontext ist alles Zirkus, man muss nicht darüber nachdenken, ob ein Moment es verdient. Es ist die Hauptsache. Es war schwer für mich, weil ich eine Zirkus-Imagination habe. Es gab viele Momente, in denen ich dachte, dass es natürlich durch Zirkus erzählt wird. Aber meine Kollegen, Theaterleute, sagten: „Nein, nein, nein, Zirkus ist hier zu viel, es lenkt zu sehr ab.“ Sie sagen, wenn man jemandem dabei zusieht, wie er auf einer Hand steht, während man eigentlich der Hauptfigur beim Singen zusehen sollte, nimmt man uns die Liebe zur Hauptfigur. Es war viel Zurückhaltung nötig.
Daniel Burow: Ich schätze, du kannst dich recht gut mit der Geschichte von „Water for Elephants“ identifizieren, weil du auch so einen "Run away and join the Circus“-Moment in deinem Leben hattest...
Shana Carroll: Genau, das war ein Grund, die Show zu machen. Ich konnte mich so sehr mit der Geschichte identifizieren.
Daniel Burow: Wie kamst du persönlich zu dem Schritt, nicht nur als Artistin aufzutreten, sondern eigene Zirkusshows zu kreieren?
Shana Carroll: Als wir die Company gründeten, war ich 32 und trat noch fünf weitere Jahre lang auf. Erst mit 38 hörte ich also damit auf, für eine Trapezartistin recht spät. Einer der Gründe für die Gründung der Company war, dass ich weiter auftreten wollte. Ich wollte eine Überschneidung, nicht aufhören aufzutreten und dann Regisseurin werden. Für mich war die einzige Möglichkeit dazu, meine eigene Company zu gründen.
Seit ich sehr jung war, interessierte mich das Kreieren und ich versuchte immer, dabei zu sein. Als ich mit dem Cirque du Soleil auf Tour war, war ich Dance Captain und arbeitete mit an der Choreographie. In meiner Zirkusschule fragte ich, ob ich Assistent des Regisseurs der Shows werden könne, um dabei zu lernen. Seit ich 18 war, habe ich diese Seite immer gepflegt. Als ich anfing bei Shows Regie zu führen, hatte ich das Gefühl, dass ich das schon seit 15 Jahren mache, nur in kleinem Rahmen.
Als ich realisierte, dass es das war, was ich machen wollte, arbeitete ich immer noch als Artistin beim Cirque du Soleil. Ich hatte nicht das Gefühl, dass ich einfach an die Tür klopfen und sagen konnte: „OK, jetzt heuert mich als Regisseurin an“. Es ist hart, man muss sich beweisen. Deshalb dachte ich, der einzige Weg es zu schaffen wäre, mein eigenes Ding zu machen und nicht darauf angewiesen zu sein, jemand anderen zu überzeugen.
Daniel Burow: Die etablierten Strukturen des Cirque du Soleil zu verlassen, um etwas Eigenes zu beginnen, muss ein großes Abenteuer gewesen sein. Wie hast du diesen Übergang bewältigt?
Shana Carroll: Ich war praktisch meine gesamten Zwanziger mit dem Cirque du Soleil auf Tournee. Ehrlich gesagt war die größte Veränderung, dass ich mein eigenes Geschirr spülen musste. Man merkt, dass man sich um einen gekümmert hatte; es ist, als würde man spät erwachsen werden. Das war schwieriger als die Arbeit. Aber es war auch etwas wirklich Aufregendes. Als ich 30 war und auf mich allein gestellt, fühlte es sich an, als wäre ich in die reale Welt aufgestiegen, als wäre die Decke aus meinem Leben gefallen. Alles war möglich und ich war mein eigener Chef.
Der Mangel an Sicherheit traf mich ein paar Jahre später. Denn am Anfang hatten wir alle unsere Ersparnisse, wir hatten weder Kinder noch ein Haus. Nachdem man ein paar Jahre in sein eigenes Unternehmen investiert, ein eigenes Haus gekauft und ein Kind bekommen hat, wird einem plötzlich klar, dass man es zum Laufen bringen und ein Unternehmen führen muss. Dieser Teil war beängstigend. Aber künstlerisch war es auf jeden Fall sehr aufregend, etwas selbst gestalten zu können, sei es die Show oder das Programmheft oder die Website - seinen Verstand auf eine Weise zu nutzen, wie man ihn so lange nicht genutzt hatte, weil man der Angestellte von jemand anderem war.
Daniel Burow: Traditionell geht es im Zirkus sehr um dieses Gefühl des Abenteuers. Und du hast auch über die Abenteuer der Company-Gründung gesprochen. Heutzutage habe ich im zeitgenössischen Zirkus manchmal das Gefühl, dass diese raue und abenteuerliche Natur auf dem Rückzug ist. Es geht nicht so sehr darum, „alles ist möglich“, sondern eher darum, alles zu mögen und bestimmten Förderkriterien zu entsprechen. Teilst du die Befürchtung, dass dieses Zirkus-Genre Gefahr läuft, etwas von seinem Geist zu verlieren?
Shana Carroll: Wir haben Neuland betreten. Das ist ein unglaublicher Moment. Aber wenn man einmal dort angekommen ist, kann man nicht so tun, als wäre es nicht so. Es ist schwer, auf diese Weise rückwärts zu gehen. Und in gewisser Weise ist es großartig, dass sich der zeitgenössische Zirkus so stark entwickelt hat. Aber das bedeutet per Definition, dass es weniger unbetretene Pfade gibt.
Zur Sache mit der Förderung: Als wir unsere eigene Company gründeten, waren wir die Einzigen. Es war einfach, zu denken: „Oh, das klingt cool.“ Aber jetzt, wo es so viele Companies gibt, muss man sich selbst eine ganz besondere Mission und ein besonderes Konzept geben. Es ist lustig, denn ich denke einerseits, wir haben noch einen langen Weg vor uns, um den Leuten, die die Förderung vergeben, das Potenzial des Zirkus als Kunstform zu vermitteln. Und gleichzeitig möchte ich, dass wir als Kreative einfach zurückgehen und die Freude und Abenteuerlust wiederfinden und uns nicht zu viel in den Kopf setzen. Ich habe das Gefühl, dass wir ein wenig den Sinn für das Spiel verloren haben. Als die Bewegung auf ihrem Höhepunkt war, gab es so viel Spaß und Freude, die die Kreativität ausmachten. Kreativität kommt vom Spiel. Wenn die Kriterien strenger sind, der Wettbewerb stärker und die Förderung geringer, dann wird man tatsächlich ernster und das hilft der Kreativität nicht. Es wird zu einem Teufelskreis.
Daniel Burow: Deutschland hat eine starke Varieté- und klassische Zirkuskultur. Aber zeitgenössische Zirkusformen werden im Vergleich zu anderen Ländern oft als unterentwickelt angesehen. Wie ist das deutsche Publikum für zeitgenössischen Zirkus?
Shana Carroll: Ich mag Deutschland. Ich habe viel Zeit meines Lebens in Deutschland verbracht, als ich mit Cirque du Soleil und Saltimbanco auf Tour war. Das deutsche Publikum hat den Ruf, etwas ernsthafter zu sein. Aber ich finde, es ist sehr gebildet, wenn es um zeitgenössischen Zirkus geht. Man kann es nicht mit Frankreich vergleichen, aber ich denke, vielleicht wegen der Varieté-Kultur gibt es in Deutschland eine Offenheit für verschiedene Formen, die es nicht unbedingt an vielen Orten gibt. Wir freuen uns also, wieder hier zu sein.
Die Show "Duel Reality" der Company "7 Fingers" läuft vom 17. bis 22. Dezember im Rahmen des Tollwood-Festivals in München: https://www.tollwood.de/veranstaltungen/2024/the-7-fingers-duel-reality/
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